O projeto Shapeshifters propõe-se explorar, através das artes visuais contemporâneas, o tema da metamorfose nas suas dimensões estética, antropológica e filosófica. Partindo da porosidade das fronteiras entre os reinos mineral, animal, humano e vegetal, o projeto convoca um conjunto de artistas de diversas origens culturais cujas obras abordam a transformação — seja através do corpo, seja através de universos imaginárias que interrogam a relação entre formas, espécies e identidades.

A apresentação do projeto em dois espaços distintos e complementares — a Galeria do Pavilhão 31, em parceria com a Carpe Diem Arte e Pesquisa, e a UCCLA — União das Cidades Capitais de Língua Portuguesa — reflete uma ambição programática pouco comum no panorama das associações culturais independentes: a de construir um diálogo expositivo entre dois equipamentos culturais de referência em Lisboa, com obras e perspetivas curatoriais que se completam sem se repetirem. A curadoria é da responsabilidade de Katherine Sirois, com co-curadoria de Ricardo Barbosa Vicente na exposição na UCCLA.

O projeto ancora-se numa reflexão mais ampla sobre a metamorfose enquanto força psíquica e cultural com raízes profundas na história da humanidade — das mitologias indiana, egípcia e grega às cerimónias dos povos nativos americanos, aborígenes e africanos; das narrativas do Antigo e Novo Testamentos às lendas, contos populares e ficções contemporâneas. A mutabilidade física, a hibridez e a multiplicidade são constantes transversais às culturas e espiritualidades humanas, e é a partir dessa genealogia vasta que o projeto se situa. Neste enquadramento, a própria prática artística é entendida como um ato metamórfico: os processos de pintar, esculpir, fundir, construir, coser, dobrar, queimar ou reciclar reformam e permutam a matéria, abrindo-a a infinitas possibilidades de formas e aparências.

Shapeshifters afirma-se, assim, como um projeto de alcance simultaneamente artístico, cultural e cívico, que aposta na diversidade de origens dos artistas participantes, na articulação entre espaços e públicos distintos, e na capacidade da arte contemporânea para propor novas configurações do olhar sobre o corpo, a identidade e o mundo natural.

*com base no texto curatorial da exposição, por Katherine Sirois.

→ Continuidade: de Camouflage a Shapeshifters

Shapeshifters não nasce no vazio. É, em parte, o prolongamento de uma interrogação iniciada com o projeto Camouflage (2025) — também concebido por Katherine Sirois e produzido pela P28 — que explorou as dinâmicas de perceção visual e as estratégias de ocultação, disfarce e dissolução nas artes contemporâneas. Se emCamouflage o gesto central era o de «tornar-se invisível» — fundir-se com o ambiente, subverter o olhar alheio, habitar o espaço intersticial entre o visível e o invisível —, em Shapeshifters esse impulso aprofunda-se e transforma-se: já não se trata de desaparecer, mas de mudar de forma, de transitar entre estados, espécies e identidades.

Há uma continuidade conceptual entre os dois projetos: ambos partem de uma suspeição em relação à fixidez — das formas, dos corpos, das identidades. Em Camouflage, essa suspeição manifestava-se através do padrão, da textura, da mimetização com o entorno. Em Shapeshifters, manifesta-se através da metamorfose, «da porosidade das fronteiras entre o humano, o animal, o vegetal e o mineral». A camuflagem implica uma relação estratégica com o olhar do outro; a metamorfose implica uma transformação mais radical e interior — não apenas parecer diferente, mas tornar-se outro.

Neste sentido, os dois projetos formam um díptico coerente em torno de uma questão comum: o que significa habitar uma forma? E o que acontece quando essa forma se recusa a ser permanente?

𝘈 𝘗𝟤𝟪 𝘦́ 𝘶𝘮𝘢 𝘦𝘴𝘵𝘳𝘶𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘧𝘪𝘯𝘢𝘯𝘤𝘪𝘢𝘥𝘢 𝘱𝘦𝘭𝘢 𝘙𝘦𝘱𝘶́𝘣𝘭𝘪𝘤𝘢 𝘗𝘰𝘳𝘵𝘶𝘨𝘶𝘦𝘴𝘢 – 𝘊𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢, 𝘑𝘶𝘷𝘦𝘯𝘵𝘶𝘥𝘦 𝘦 𝘋𝘦𝘴𝘱𝘰𝘳𝘵𝘰 / 𝘋𝘪𝘳𝘦𝘤̧𝘢̃𝘰-𝘎𝘦𝘳𝘢𝘭 𝘥𝘢𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴, 𝘯𝘰 𝘢̂𝘮𝘣𝘪𝘵𝘰 𝘥𝘰 𝘗𝘳𝘰𝘨𝘳𝘢𝘮𝘢 𝘥𝘦 𝘈𝘱𝘰𝘪𝘰 𝘚𝘶𝘴𝘵𝘦𝘯𝘵𝘢𝘥𝘰 𝘢̀𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴.

O rosto é, por tradição, superfície de identificação. É nele que se projetam nome, género, pertença, biografia. Mas é também lugar de desvio e de conflito. Em ID, o retrato deixa de funcionar como garantia de estabilidade para se afirmar como campo problemático — território onde o visível e o invisível se entrecruzam.

Reunindo obras de artistas consagrados e de criadores anónimos — com e sem diagnóstico psiquiátrico — Gonçalo Pena, Hélder Rodrigues, José Luís Neto, Martinha Maia, Micaela Fikoff, Pedro Cabrita Reis, Stella Kaus e Tiago Severino, a exposição ID toma a representação do rosto como ponto de partida para uma reflexão sobre identidade, alteridade e reconhecimento.

Convocando o território simbólico do que Sigmund Freud designou por “id” — instância pulsional e primitiva da psique humana —, o projeto não pretende ilustrar um conceito psicanalítico, mas utilizá-lo como metáfora crítica. O “id” surge aqui como aquilo que antecede a norma e a classificação; como dimensão do sujeito que escapa à fixação identitária e à leitura unívoca.

A exposição parte de representações de rostos produzidas por e sobre pessoas institucionalizadas em contextos psiquiátricos, interrogando as fronteiras entre identidade pessoal, olhar clínico e criação artística. Que diferença existe entre retratar e diagnosticar? Entre representar e classificar? Entre reconhecer e rotular?

Ao colocar em diálogo artistas reconhecidos no campo da arte contemporânea com criadores cuja prática emerge em contextos de institucionalização, ID desmonta hierarquias e questiona categorias de legitimação. A coexistência destas obras no mesmo espaço não procura diluir diferenças, mas expor tensões: entre centro e margem, visibilidade e invisibilidade, reconhecimento artístico e anonimato.

A seleção integra obras previamente existentes e trabalhos desenvolvidos especificamente para o projeto, revelando práticas que oscilam entre testemunho íntimo e fabulação simbólica. Em algumas peças, o rosto aproxima-se do registo autobiográfico; noutras, fragmenta-se, distorce-se ou dissolve-se. Em todas, afasta-se da função de prova identitária para se afirmar como superfície instável, onde a imagem resiste à classificação e onde a identidade se revela como processo.

ID entende o eu não como essência fixa, mas como construção relacional. Aquilo que nos define não reside apenas nos traços que nos distinguem, mas na forma como nos constituímos na relação com o outro. A alteridade não surge como ameaça, mas como condição de possibilidade do próprio sujeito.

Enquanto galeria de projeto, a P28 afirma este espaço como território de investigação crítica sobre os dispositivos da imagem e os regimes de visibilidade. Neste contexto, ID inscreve-se na continuidade de um trabalho que cruza criação artística contemporânea e experiência da doença mental, contribuindo para a desestigmatização através da prática artística e da exposição pública.

Mais do que oferecer respostas, a exposição propõe um exercício coletivo: repensar o rosto não como evidência, mas como construção; não como espelho transparente do eu, mas como matéria plural, atravessada por forças sociais, políticas e psíquicas.

𝘈 𝘗𝟤𝟪 𝘦́ 𝘶𝘮𝘢 𝘦𝘴𝘵𝘳𝘶𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘧𝘪𝘯𝘢𝘯𝘤𝘪𝘢𝘥𝘢 𝘱𝘦𝘭𝘢 𝘙𝘦𝘱𝘶́𝘣𝘭𝘪𝘤𝘢 𝘗𝘰𝘳𝘵𝘶𝘨𝘶𝘦𝘴𝘢 – 𝘊𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢, 𝘑𝘶𝘷𝘦𝘯𝘵𝘶𝘥𝘦 𝘦 𝘋𝘦𝘴𝘱𝘰𝘳𝘵𝘰 / 𝘋𝘪𝘳𝘦𝘤̧𝘢̃𝘰-𝘎𝘦𝘳𝘢𝘭 𝘥𝘢𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴, 𝘯𝘰 𝘢̂𝘮𝘣𝘪𝘵𝘰 𝘥𝘰 𝘗𝘳𝘰𝘨𝘳𝘢𝘮𝘢 𝘥𝘦 𝘈𝘱𝘰𝘪𝘰 𝘚𝘶𝘴𝘵𝘦𝘯𝘵𝘢𝘥𝘰 𝘢̀𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴.

Dedicada ao fazer conjunto, Pares volta a reunir o Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual e a P28, apresentando obras criadas em colaboração, como cadáveres esquisitos, desenhos coletivos e outros dispositivos de trabalho partilhado, nos quais o acaso, o jogo e a negociação entre singularidades assumem um papel estruturante.

Reunindo obras novas e peças de arquivo de dois grupos heterogéneos de artistas — alunos dos departamentos de Pintura e Desenho do Ar.Co e artistas do ateliê da P28 —, a exposição propõe uma imersão em grandes formatos e na expressividade imprevisível que emerge destes encontros, evidenciando o projeto Residências enquanto espaço de aprendizagem mútua, contaminação de práticas e produção situada. Pares afirma-se, assim, como um momento de visibilidade pública de um trabalho desenvolvido ao longo do tempo, assente em modos de produção que valorizam o tempo, a relação e a construção coletiva.

Pares insere-se no âmbito do projeto Residências, desenvolvido pela P28 a partir de protocolos bienais com instituições de ensino artístico, que permitem contextos de trabalho continuado entre artistas em formação e artistas em prática. Estes protocolos funcionam como dispositivos de acompanhamento e produção, criando condições para a experimentação, a partilha de processos e a apresentação pública dos trabalhos resultantes, através de períodos prolongados de trabalho conjunto entre alunos e artistas do ateliê da P28.

A P28 dispõe desde 2012, em regime de cedência por parte do Centro Hospitalar Psiquiátrico de Lisboa, de um espaço situado no Pavilhão 31 do referido complexo, com 300 m² de área expositiva e 100m² de área de escritório. A gestão, programação e produção das atividades aí realizadas é da exclusiva responsabilidade da P28.

A Galeria do Pavilhão 31 é a única galeria de projeto nacional que apresenta parcerias entre artistas profissionais e artistas residentes num ateliê integrado numa unidade de saúde mental. Este conceito programático procura desestigmatizar o artista com experiência de doença mental e contribuir para a sua valorização artística e pessoal, ao validar a obra de arte enquanto peça por si só. As parcerias entre artista profissional/artista residente produzem uma legitimidade capaz de originar convites para outras exposições ou propiciar a aquisição de obras dos artistas residentes no competitivo mercado do colecionismo, contribuindo para a sua inserção no circuito artístico.

Foi com base no reconhecimento crescentemente obtido junto da comunidade e do público que nomes como Jeff Koons, Emir Kusturica, Pedro Cabrita Reis, Jorge Molder, Eduardo Souto Moura ou Miguel Palma marcaram presença neste espaço, contribuindo para a afirmação de artistas até então desconhecidos, como Artur Moreira, Francisco Gromicho ou Anabela Soares.

Atualmente, a P28 mantém uma média anual de cinco a seis exposições na Galeria do Pavilhão 31 – nas quais participa sempre, sem exceção, pelo menos um artista residente do ateliê da P28 – além de outros projetos e eventos realizados fora do complexo hospitalar, por iniciativa própria ou por convite.

Black Paintings, White Hearts reúne Pedro Cabral Santo e os oito artistas participantes — Cleia Cunha, Emanuel Andrade, Emídio Aboobacar, Firmina Vaza, Isabel Relvas, Lígia Pinheiro, Maria Vidal e Patrícia Jardim — numa exposição apresentada na galeria do Pavilhão 31 do Hospital Júlio de Matos, integrada na programação da P28 de 2025. Em paralelo, foi apresentado o vídeo Entrevista: Pedro Cabral Santo, que documenta a conversa do artista com Cleia Cunha e Emídio Aboobacar, artistas residentes no ateliê da P28.

Dando continuidade a uma longa lista de criadores que integraram o projeto Entrevista — entre eles Cabrita Reis, Jeff Koons, Jason Martin, Emir Kusturica, Jorge Molder ou, mais recentemente, João Louro — Pedro Cabral Santo assume neste projeto o papel de artista convidado, naquela que é habitualmente a iniciativa que encerra o ciclo anual de atividades da P28.

Para este desafio, Cabral Santo centrou-se na tradição das “pinturas negras”, orientando oito artistas do ateliê da P28 numa ação performativa e colaborativa de pintura em telas de grandes dimensões (2,5x2m), em 8 combinações diferentes de 3 cores primárias e secundárias, que agora se exibe.

Em simultâneo, Cabral Santo ocupa o painel publicitário da P28 em Lisboa — no Largo Marquês de Angeja, à Avenida da Índia, junto ao Museu dos Coches e diante do MAAT Central, em Belém — com uma antologia de obras da série Electric dreams before romantic skies, apresentadas em itinerância nacional, na edição do projeto Outdoor 2024.

No epicentro do trabalho desenvolvido pela P28 desde a sua fundação tem estado a promoção do contacto entre artistas doentes aí residentes e artistas profissionais, convidados para coletivas de artes visuais. A proposta do projeto Entrevista consiste numa troca de papéis entre artista convidado e artistas do Ateliê de Artes Plásticas do Serviço de Reabilitação do Hospital Júlio de Matos, que resulta num “duplo projeto”, quer no sentido da legitimação dos artistas doentes mentais com quem a P28 tem desenvolvido um trabalho continuado de formação e programação desde 2001, quer por contar com a edição de uma publicação relativa a esta e outras colaborações anteriores de Pedro Cabral Santo.

Pedro Cabral Santo é artista plástico, curador, investigador e professor, tendo-se formado em Pintura e Escultura nas Faculdades de Belas-Artes de Lisboa e do Porto.

Artista com reconhecimento internacional, a sua obra caracteriza-se por uma reflexão crítica sobre a arte contemporânea, explorando linguagens híbridas e processos multimédia que questionam a materialidade, o estatuto e a função da arte. São centrais no seu trabalho a crítica à sociedade de consumo, a relação entre memória e iconoclastia e a revisitação da história da arte através de recombinações simbólicas e conceptuais. As suas instalações, frequentemente de carácter cenográfico, convocam o envolvimento do espectador e promovem uma leitura aberta, baseada na deriva, na associação e na desmontagem de significados. A dimensão política está igualmente presente, tanto na obra como na curadoria, abrindo espaço a interrogações sobre o papel do artista e da arte face aos fenómenos sociopolíticos contemporâneos.
O trabalho de Pedro Cabral Santo destaca-se pelo pensamento estético rigoroso, pelo cruzamento de meios e disciplinas e por uma prática curatorial ativa que prolonga no espaço expositivo as questões que a sua produção artística levanta, sempre num diálogo atento com a complexidade cultural e social do presente.