O projeto Shapeshifters propõe-se explorar, através das artes visuais contemporâneas, o tema da metamorfose nas suas dimensões estética, antropológica e filosófica. Partindo da porosidade das fronteiras entre os reinos mineral, animal, humano e vegetal, o projeto convoca um conjunto de artistas de diversas origens culturais cujas obras abordam a transformação — seja através do corpo, seja através de universos imaginárias que interrogam a relação entre formas, espécies e identidades.

A apresentação do projeto em dois espaços distintos e complementares — a Galeria do Pavilhão 31, em parceria com a Carpe Diem Arte e Pesquisa, e a UCCLA — União das Cidades Capitais de Língua Portuguesa — reflete uma ambição programática pouco comum no panorama das associações culturais independentes: a de construir um diálogo expositivo entre dois equipamentos culturais de referência em Lisboa, com obras e perspetivas curatoriais que se completam sem se repetirem. A curadoria é da responsabilidade de Katherine Sirois, com co-curadoria de Ricardo Barbosa Vicente na exposição na UCCLA.

O projeto ancora-se numa reflexão mais ampla sobre a metamorfose enquanto força psíquica e cultural com raízes profundas na história da humanidade — das mitologias indiana, egípcia e grega às cerimónias dos povos nativos americanos, aborígenes e africanos; das narrativas do Antigo e Novo Testamentos às lendas, contos populares e ficções contemporâneas. A mutabilidade física, a hibridez e a multiplicidade são constantes transversais às culturas e espiritualidades humanas, e é a partir dessa genealogia vasta que o projeto se situa. Neste enquadramento, a própria prática artística é entendida como um ato metamórfico: os processos de pintar, esculpir, fundir, construir, coser, dobrar, queimar ou reciclar reformam e permutam a matéria, abrindo-a a infinitas possibilidades de formas e aparências.

Shapeshifters afirma-se, assim, como um projeto de alcance simultaneamente artístico, cultural e cívico, que aposta na diversidade de origens dos artistas participantes, na articulação entre espaços e públicos distintos, e na capacidade da arte contemporânea para propor novas configurações do olhar sobre o corpo, a identidade e o mundo natural.

*com base no texto curatorial da exposição, por Katherine Sirois.

→ Continuidade: de Camouflage a Shapeshifters

Shapeshifters não nasce no vazio. É, em parte, o prolongamento de uma interrogação iniciada com o projeto Camouflage (2025) — também concebido por Katherine Sirois e produzido pela P28 — que explorou as dinâmicas de perceção visual e as estratégias de ocultação, disfarce e dissolução nas artes contemporâneas. Se emCamouflage o gesto central era o de «tornar-se invisível» — fundir-se com o ambiente, subverter o olhar alheio, habitar o espaço intersticial entre o visível e o invisível —, em Shapeshifters esse impulso aprofunda-se e transforma-se: já não se trata de desaparecer, mas de mudar de forma, de transitar entre estados, espécies e identidades.

Há uma continuidade conceptual entre os dois projetos: ambos partem de uma suspeição em relação à fixidez — das formas, dos corpos, das identidades. Em Camouflage, essa suspeição manifestava-se através do padrão, da textura, da mimetização com o entorno. Em Shapeshifters, manifesta-se através da metamorfose, «da porosidade das fronteiras entre o humano, o animal, o vegetal e o mineral». A camuflagem implica uma relação estratégica com o olhar do outro; a metamorfose implica uma transformação mais radical e interior — não apenas parecer diferente, mas tornar-se outro.

Neste sentido, os dois projetos formam um díptico coerente em torno de uma questão comum: o que significa habitar uma forma? E o que acontece quando essa forma se recusa a ser permanente?

𝘈 𝘗𝟤𝟪 𝘦́ 𝘶𝘮𝘢 𝘦𝘴𝘵𝘳𝘶𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘧𝘪𝘯𝘢𝘯𝘤𝘪𝘢𝘥𝘢 𝘱𝘦𝘭𝘢 𝘙𝘦𝘱𝘶́𝘣𝘭𝘪𝘤𝘢 𝘗𝘰𝘳𝘵𝘶𝘨𝘶𝘦𝘴𝘢 – 𝘊𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢, 𝘑𝘶𝘷𝘦𝘯𝘵𝘶𝘥𝘦 𝘦 𝘋𝘦𝘴𝘱𝘰𝘳𝘵𝘰 / 𝘋𝘪𝘳𝘦𝘤̧𝘢̃𝘰-𝘎𝘦𝘳𝘢𝘭 𝘥𝘢𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴, 𝘯𝘰 𝘢̂𝘮𝘣𝘪𝘵𝘰 𝘥𝘰 𝘗𝘳𝘰𝘨𝘳𝘢𝘮𝘢 𝘥𝘦 𝘈𝘱𝘰𝘪𝘰 𝘚𝘶𝘴𝘵𝘦𝘯𝘵𝘢𝘥𝘰 𝘢̀𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴.

O rosto é, por tradição, superfície de identificação. É nele que se projetam nome, género, pertença, biografia. Mas é também lugar de desvio e de conflito. Em ID, o retrato deixa de funcionar como garantia de estabilidade para se afirmar como campo problemático — território onde o visível e o invisível se entrecruzam.

Reunindo obras de artistas consagrados e de criadores anónimos — com e sem diagnóstico psiquiátrico — Gonçalo Pena, Hélder Rodrigues, José Luís Neto, Martinha Maia, Micaela Fikoff, Pedro Cabrita Reis, Stella Kaus e Tiago Severino, a exposição ID toma a representação do rosto como ponto de partida para uma reflexão sobre identidade, alteridade e reconhecimento.

Convocando o território simbólico do que Sigmund Freud designou por “id” — instância pulsional e primitiva da psique humana —, o projeto não pretende ilustrar um conceito psicanalítico, mas utilizá-lo como metáfora crítica. O “id” surge aqui como aquilo que antecede a norma e a classificação; como dimensão do sujeito que escapa à fixação identitária e à leitura unívoca.

A exposição parte de representações de rostos produzidas por e sobre pessoas institucionalizadas em contextos psiquiátricos, interrogando as fronteiras entre identidade pessoal, olhar clínico e criação artística. Que diferença existe entre retratar e diagnosticar? Entre representar e classificar? Entre reconhecer e rotular?

Ao colocar em diálogo artistas reconhecidos no campo da arte contemporânea com criadores cuja prática emerge em contextos de institucionalização, ID desmonta hierarquias e questiona categorias de legitimação. A coexistência destas obras no mesmo espaço não procura diluir diferenças, mas expor tensões: entre centro e margem, visibilidade e invisibilidade, reconhecimento artístico e anonimato.

A seleção integra obras previamente existentes e trabalhos desenvolvidos especificamente para o projeto, revelando práticas que oscilam entre testemunho íntimo e fabulação simbólica. Em algumas peças, o rosto aproxima-se do registo autobiográfico; noutras, fragmenta-se, distorce-se ou dissolve-se. Em todas, afasta-se da função de prova identitária para se afirmar como superfície instável, onde a imagem resiste à classificação e onde a identidade se revela como processo.

ID entende o eu não como essência fixa, mas como construção relacional. Aquilo que nos define não reside apenas nos traços que nos distinguem, mas na forma como nos constituímos na relação com o outro. A alteridade não surge como ameaça, mas como condição de possibilidade do próprio sujeito.

Enquanto galeria de projeto, a P28 afirma este espaço como território de investigação crítica sobre os dispositivos da imagem e os regimes de visibilidade. Neste contexto, ID inscreve-se na continuidade de um trabalho que cruza criação artística contemporânea e experiência da doença mental, contribuindo para a desestigmatização através da prática artística e da exposição pública.

Mais do que oferecer respostas, a exposição propõe um exercício coletivo: repensar o rosto não como evidência, mas como construção; não como espelho transparente do eu, mas como matéria plural, atravessada por forças sociais, políticas e psíquicas.

𝘈 𝘗𝟤𝟪 𝘦́ 𝘶𝘮𝘢 𝘦𝘴𝘵𝘳𝘶𝘵𝘶𝘳𝘢 𝘧𝘪𝘯𝘢𝘯𝘤𝘪𝘢𝘥𝘢 𝘱𝘦𝘭𝘢 𝘙𝘦𝘱𝘶́𝘣𝘭𝘪𝘤𝘢 𝘗𝘰𝘳𝘵𝘶𝘨𝘶𝘦𝘴𝘢 – 𝘊𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘢, 𝘑𝘶𝘷𝘦𝘯𝘵𝘶𝘥𝘦 𝘦 𝘋𝘦𝘴𝘱𝘰𝘳𝘵𝘰 / 𝘋𝘪𝘳𝘦𝘤̧𝘢̃𝘰-𝘎𝘦𝘳𝘢𝘭 𝘥𝘢𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴, 𝘯𝘰 𝘢̂𝘮𝘣𝘪𝘵𝘰 𝘥𝘰 𝘗𝘳𝘰𝘨𝘳𝘢𝘮𝘢 𝘥𝘦 𝘈𝘱𝘰𝘪𝘰 𝘚𝘶𝘴𝘵𝘦𝘯𝘵𝘢𝘥𝘰 𝘢̀𝘴 𝘈𝘳𝘵𝘦𝘴.